摄影机动还是演员动？
让摄影机运动，还是让演员在静止的摄影机前运动？如果摄影机静止，运动将会由演员在摄影机镜头前完成，是演员在画框内的移动。好的场面调度和人物设计会让静止拍摄变得非常有趣。在伍迪·艾伦导演、戈登·利斯摄影的《曼哈顿》中有一个场景，摄影机被放置在一间公寓中，静止拍摄演员从一个房间穿行到另一个房间。看上去是摄影机让观众等在另一间房里客观地观察，但实际上镜头外的对话迫使观众集中注意力聆听将发生的事。这种类型的运动，主要是让演员在静止的摄影机前完成场面调度设计，而摄影机本身根本不移动或只是用横摇、俯仰来配合演员，它给观众一种窥探而不是置身其中的感觉。在上面的例子中，观众被留在房间里等着将要发生什么，但是并没有使自己牵连其中。它迫使观众聆听对话，站在客观角度上观察，静止的摄影机代表了观众的客观立场，有点像观看戏剧表演。摄影机被固定在三脚架上保持静止位置时，演员可以在画框内移动，摄影机则可以采用横摇、俯仰、变焦距等运动形式。
一镜到底与多机覆盖分镜法
《黑天鹅》摄影师马修•利巴提克说：你看像伍迪·艾伦和英格玛·伯格曼这样的大师，他们总是让演员从前景走到后景，摄影机不动，是演员在动。你再看像《曼哈顿》这部影片，故事发生在一间小小的公寓房间里，所有的动作都是在前景到后景再回到前景的过程中完成，伍迪·艾伦这样的作者导演就能够不使用传统的多机覆盖分镜法，而是一场戏由一个镜头完成，因为他们知道机位放在哪儿能拍摄单镜头场面，而且出好效果。我拍过很多棚内电影了，我知道这是很罕见的。那么多人都用多机覆盖的手法，就千篇一律了，而且摄影机的运动只是被当作另一种工具和技巧，让多机覆盖更有趣一点罢了。
运动的摄影机
运动的摄影机——不论是手持、还是利用移动车或斯坦尼康——使观众产生更多的参与感。观众随着摄影机的运动而被带进故事情境中，体验着演员所体验的经历。如果演员打架，采用手持摄影，那我们也和演员一起搏斗，几乎挨了打，就像在《愤怒的公牛》或《搏击俱乐部》中一样；如果演员跳舞而摄影机也随之旋转，那观众也在跳舞；如果演员喝醉了，手持摄影拍摄失去平衡，那观众也会有酩酊大醉，视线模糊的感觉。一个运动的摄影机保持了主观的视角，使观众参与到故事情境中。此外，运动的摄影机还可以产生多种多样的视角，展现一个或多个角色。观众可以看见演员所看见的，而后感受到他们所感受到的。
摄影师马修•利巴提克针对具体的拍摄现场情况，说道：有时摄影机运动实际上是产生于你的拍摄现场的环境。有种风格化的摄影机运动带你从一个地方到另一个地方，还有种运动是为演员调度服务的。我痴迷于这两种运动。使影片风格化的那些镜头更多是预先设计好的，但那些更多由演员的运动所激发的镜头才是多机覆盖法的主体。它会给这场戏制造活力，因为演员能够移动。你可以用一个静态镜头来展示整个空间，让每个人走来走去，也可以是在移动车上从一个点到另一个点完成一个镜头的拍摄。这两个主镜头风格迥异，其中一种源于演员调度。
摄影机的运动在电影和电视剧中已经变成十分明显的要素，常常定下故事的基调。在传统的电影里，运动更注重功能性。风格化的摄影机运动也许不能清楚地强调故事的本质，但它被用来创造银幕的张力。动作片可能会从头到尾用手持拍摄, 来强化紧张的气氛和其中演员的能量，或是创造时间的紧迫感，一种“伪纪录片” 感觉。有些人可能会说风格化地使用摄影机运动，会削弱电影的叙事。因此，导演不应该过分地炫耀摄影机，让观众意识到摄影机的存在。摄影机应该作为电影的一部分，默默地讲述故事，为影片增加张力。观众实际上不应该意识到这些运动，它们应该从银幕中自然地流露出来。
摄影机运动的动机
一般来说，摄影机的运动都应该有动机，不管是主观动机，比如一个角色心里明白了，他以为是恋人的那个人实际上是个凶手；还是身体的外部动机，比如跟随一个演员从一个地方到另一个地方。后一种类型的摄影机运动是比较功能性的，用来跟拍演员在房间中走动（横摇）或是从坐着到站起来（俯仰）。结合变焦距镜头的使用，导演根本不用移动摄影机，只通过缓慢地变焦距推近，就可以得到一个构图较紧的画面，这时气氛会变得更紧张，或是让摄影机在移动车上缓缓推近，同时变焦距，观众带到故事情境中。
多用还是少用运动，这是视觉上的审美选择，并且应该强调故事本身。最近出于审美考虑而使用手持摄影变得时髦起来，在数不胜数的当代电影和电视节目中，这种形式已经被广泛接受和应用。但是要记住一种技巧一旦被过度使用就会失去它的效果。
